tag:blogger.com,1999:blog-388888702024-03-13T17:11:36.647+00:00cinemajunkiecinemajunkieJoao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.comBlogger216125tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-37992449346873308842020-01-15T14:55:00.001+00:002020-01-15T14:55:11.909+00:00Junkie Awards: top 2019<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-MB9J7S_TMJc/Xh8nmgabjhI/AAAAAAAAEdI/Ps_kQBCdlJYBjYDdPvJd9Z7sbuAqZCzdgCLcBGAsYHQ/s1600/Beoning-2018-de-Chang-dong-Lee.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="1024" height="268" src="https://1.bp.blogspot.com/-MB9J7S_TMJc/Xh8nmgabjhI/AAAAAAAAEdI/Ps_kQBCdlJYBjYDdPvJd9Z7sbuAqZCzdgCLcBGAsYHQ/s640/Beoning-2018-de-Chang-dong-Lee.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
Para a 22ª edição dos Junkie Awards, este foi o meu top10 escolhido para o À Pala de Walsh.<br />
o top conjunto pode ser lido <a href="http://www.apaladewalsh.com/2019/12/os-melhores-filmes-de-2019/" target="_blank">aqui</a><br />
<br />
<ol style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; list-style: none; margin: 0px 0px 20px; padding: 0px 0px 0px 45px;">
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Beoning </strong>de Lee Chang-dong</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Napszállta </strong>(Anoitecer, 2018) de László Nemes</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Once Upon a Time… in Hollywood</strong> de Quentin Tarantino</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Vitalina Varela</strong> de Pedro Costa</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Gisaengchung</strong> de Bong Jonn-ho</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Ahlat Agaci</strong> (A Pereira Brava, 2018) de Nuri Bilge Ceylan</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Jiang hu er nü</strong> de Jia Zhangke</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Transit </strong>de Christian Petzold</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Bacurau</strong> de Juliano Dornelles, Kleber Mendonça Filho</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Se rokh</strong> de Jafar Panahi</li>
</ol>
<div>
<span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">menção honrosa: </span></span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Sorry We Missed You</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Ken Loach, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Ad Astra</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de James Gray, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Netemo sametemo </strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">(Asako I & II, 2018) de Ryûsuke Hamaguchi, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">The Mule</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Clint Eastwood, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Dolor y gloria</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Pedro Almodóvar, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Terra Franca</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> (2018) de Leonor Teles e </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Monrovia, Indiana</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Frederick Wiseman.</span></div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-30872575376205468962019-01-15T14:52:00.000+00:002020-01-15T14:52:28.973+00:00Junkie Awards: top 2018<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-KYzPM6AQdak/Xh8nCGCVHZI/AAAAAAAAEdA/Bx4weS-JORwqHvMiJmtg9vpryHR4x6RAgCLcBGAsYHQ/s1600/first_reformed_embed_h_2017.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="523" data-original-width="928" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-KYzPM6AQdak/Xh8nCGCVHZI/AAAAAAAAEdA/Bx4weS-JORwqHvMiJmtg9vpryHR4x6RAgCLcBGAsYHQ/s640/first_reformed_embed_h_2017.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
Para a 21ª edição dos Junkie Awards, este foi o meu top10 escolhido para o À Pala de Walsh.<br />
o top conjunto pode ser lido <a href="http://www.apaladewalsh.com/2018/12/os-melhores-filmes-de-2018/" target="_blank">aqui</a><br />
<br />
<ol style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; list-style: none; margin: 0px 0px 20px; padding: 0px 0px 0px 45px;">
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">First Reformed</strong> de Paul Schrader</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Happî awâ</strong> de Ryûsuke Hamaguchi</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Columbus</strong> (2017) de Kogonada</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Shoplifters</strong> de Hirokazu Koreeda</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Phantom Thread</strong> de Paul Thomas Anderson</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Call Me by Your Name</strong> (Chama-me Pelo Teu Nome, 2017) de Luca Guadagnino</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Roma</strong> de Alfonso Cuarón </li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">You Were Never Really Here</strong> (Nunca Estiveste Aqui, 2017) de Lynne Ramsay</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Cinema Novo</strong> (2016) de Eryk Rocha</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Western</strong> de Valeska Grisebach</li>
</ol>
<div>
<span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">menção honrosa: </span></span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Lazzaro felice</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Alice Rohrwacher, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">The Florida Project</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Sean Baker, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">No Intenso Agora</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de João Moreira Salles, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">A Ciambra</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Jonas Carpignano, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Zama</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Lucrecia Martel, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">The Killing of a Sacred Deer</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Yorgos Lanthimos, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">BlacKkKlansman</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Spike Lee, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">A Quiet Place</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de John Krasinski, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">L’amant d’un jour</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Philippe Garrel, e finalmente, </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Le livre d’image</strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de Jean-Luc Godard. Menção ainda para o melhor filme deste ano sem direito a estreia comercial: </span><strong style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; margin: 0px; padding: 0px;">Annihilation </strong><span style="background-color: white; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">de Alex Garland.</span></div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-2392310952589952018-01-15T14:48:00.000+00:002020-01-15T14:48:52.915+00:00Junkie Awards: top 2017<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-4GNJtLPsM2I/Xh8lbqP_ZCI/AAAAAAAAEc0/awxpyKENvQ0aMUT9foEpJXofc80yatgeQCLcBGAsYHQ/s1600/Manchester-By-The-Sea-620x336.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="336" data-original-width="620" src="https://1.bp.blogspot.com/-4GNJtLPsM2I/Xh8lbqP_ZCI/AAAAAAAAEc0/awxpyKENvQ0aMUT9foEpJXofc80yatgeQCLcBGAsYHQ/s1600/Manchester-By-The-Sea-620x336.jpg" /></a></div>
<br />
<br />
Para a 20ª edição dos Junkie Awards, este foi o meu top10 escolhido para o À Pala deWalsh.<br />
o top conjunto pode ser lido <a href="http://www.apaladewalsh.com/2017/12/os-melhores-filmes-de-2017/" target="_blank">aqui</a><br />
<br />
<ol style="background-color: #f9f9f9; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; list-style: none; margin: 0px 0px 20px; padding: 0px 0px 0px 45px;">
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Manchester By the Sea</strong> Kenneth Lonergan</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Aquarius</strong> de Kleber Mendonça Filho</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">A Fábrica de Nada</strong> de Pedro Pinho</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Paterson</strong> de Jim Jarmusch</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Good Time</strong> de Ben Safdie e Joshua Safdie</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">I Am Not Your Negro</strong> (Eu Não Sou o Teu Negro, 2017) de Raoul Peck</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Personal Shopper</strong> de Olivier Assayas</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><span class="s1" style="margin: 0px; padding: 0px;"><b style="margin: 0px; padding: 0px;">Toivon tuolla puolen</b> </span>de Aki Kaurismäki</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Eldorado XXI</strong> (2017) de Salomé Lamas</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Toni Erdmann</strong> de Maren Ade</li>
</ol>
<div>
<span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">menção honrosa: <b>Verão Danado </b>de Pedro Cabeleira</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">Ama-San </b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">Cláudia Varejão</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">Plemya</b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">Myroslav Slaboshpytskyi</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">Lady McBeth</b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">William Oldroyd</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">The Square</b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">Ruben Östlund</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">Moonlight</b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">Barry Jenkins</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">Get Out </b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">Jordan Peele</span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">, </span><b style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;">The Lost City of Z</b><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"> de </span><span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">James Gray.</span></span></div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-39344312280939185522017-01-26T01:36:00.002+00:002020-01-15T12:22:44.770+00:00Junkie Awards: top 2016<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-cV5CqLXGBF4/WIlSjYyCDmI/AAAAAAAADgg/RlbGAVWdg7cDxAQkNu6MKZRUrtSSi5A7ACLcB/s1600/SAUL_FIA_SON_OF_SAUL_Still.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Saul fia (O Filho de Saul, 2015)" border="0" height="360" src="https://2.bp.blogspot.com/-cV5CqLXGBF4/WIlSjYyCDmI/AAAAAAAADgg/RlbGAVWdg7cDxAQkNu6MKZRUrtSSi5A7ACLcB/s640/SAUL_FIA_SON_OF_SAUL_Still.jpg" title="Saul fia (O Filho de Saul, 2015)" width="640" /></a></div>
<br />
este foi o meu top10 escolhido para o À Pala deWalsh. o top conjunto pode ser lido <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/12/os-melhor-filmes-de-2016/">aqui</a><br />
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1. <b>Saul fia</b> (O Filho de Saul, 2015) de László Nemes<br />
2. <b>Cartas da Guerra</b> (2016) de Ivo Ferreira<br />
3. <b>Nocturnal Animals</b> (Animais Noturnos, 2016) de Tom Ford<br />
4. <b>American Honey</b> (2016) de Andrea Arnold<br />
5. <b>El abrazo de la serpiente</b> (O Abraço da Serpente, 2015) de Ciro Guerra<br />
6. <b>Boi Neon</b> (2015) de Gabriel Mascaro<br />
7. <b>Shan he gu ren</b> (Se as Montanhas Se Afastam, 2015) de Jia Zhang-ke<br />
8. <b>Fuocoammare</b> (Fogo no Mar, 2016) de Gianfranco Rosi<br />
9. <b>O Ornitólogo</b> (2016) de João Pedro Rodrigues<br />
10. <b>Rak ti Khon Kaen</b> (Cemitério do Esplendor, 2015) de Apichatpong WeerasethakulJoao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-38351412472831998332017-01-26T01:32:00.001+00:002017-01-26T01:37:10.391+00:00Eldorado XXI (2016)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-M_mdOdjYMcQ/WIlRiAXMlsI/AAAAAAAADgQ/1pZMtSkJA4k7tjms1hu12maEjAfqPJFaQCLcB/s1600/Eldorado-XXI-Pic03-620x259.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Eldorado XXI (2016) de Salomé Lamas" border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-M_mdOdjYMcQ/WIlRiAXMlsI/AAAAAAAADgQ/1pZMtSkJA4k7tjms1hu12maEjAfqPJFaQCLcB/s1600/Eldorado-XXI-Pic03-620x259.jpg" title="Eldorado XXI (2016) de Salomé Lamas" /></a></div>
<br />
Eldorado XXI (2016) de Salomé Lamas, 9/10<br />
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texto retirado da cobertura ao Porto/Post/Doc 2016 publicado <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/12/portopostdoc-2016-um-tempo-que-perdura-e-outro-que-desaparece/">aqui</a><br />
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Outro filme que representa uma verdadeira viagem às trevas é <b>Eldorado XXI</b> (2016) de Salomé Lamas. A diferença é que aqui o pesadelo é visível à superfície, ocupa toda a paisagem, e por isso é mais obsceno. O filme representa uma continuação do trabalho de Lamas no estudo de comunidades que sobrevivem nas margens da sociedade, e ao mesmo tempo de afirmação de um rigor formal – a forma como aqui filma a natureza remete para a sua anterior curta <b>A Torre</b> (2015), particularmente pelo uso do plano fixo – mas acima de tudo, reafirma um trabalho sobre a representação da memória, indicador da dedicação a registar um tempo que perdura enquanto não se extingue. O tema do filme é La Rinconada, uma remota aldeia mineira no Peru, situada a 5500 metros de altitude, onde uma legião de pessoas que se confundem partiu num último suspiro, à procura de uma sobrevivência condenada à partida. Após uns breves planos a mostrar a localização desta colónia mineira, a câmara fixa-se numa encosta a observar uma procissão de trabalhadores anónimos num sobe e desce, num plano que se prolonga por quase uma hora, enquanto a escuridão se apodera lentamente da imagem. É um plano duro, equivalente à aridez do local e desamparo daquelas pessoas, mas que se revela recompensador com a passagem do tempo. Após alguns minutos surge uma emissão da rádio local a acompanhar as imagens, e ouvimos relatos das condições de vida, das histórias do passado de algumas das pessoas, das dificuldades e implicações na saúde daquele trabalho.</div>
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O filme estabelece assim com aquele plano um diálogo com o espectador, que muito antes de ver as condições em que vivem e trabalham aquelas pessoas, começa a imaginar e a tentar recriar como será possível a vida naquele sítio e naquele momento, algo que será desvendado apenas nos planos seguintes. Apesar de alguns momentos notáveis que sublinham a coragem de algumas das pessoas que estão numa situação frágil, e em particular mulheres, ao organizarem-se para ultrapassar carências daquela comunidade, <b>Eldorado XXI</b> é um verdadeiro pesadelo anestesiante que funciona como um murro no estômago. O paralelo criado entre o sacrifício daquelas pessoas numa última esperança de subsistência, num sítio onde a esperança já não chega, e a destruição sobre a natureza, que aparece como derradeiro legado de um capitalismo predatório, funciona como uma metáfora para a humanidade. Também por isso, <b>Eldorado XXI</b> foi um justo vencedor da competição do festival, e não deixa de ser curiosa a ligação com o vencedor do ano passado, <b>Beixi Moshuo</b> (Behemoth, 2015), um filme que começa com uma série de explosões numa mina. Behemoth é o nome de uma criatura mitológica que se alimentava de montanhas e El Dorado remete para uma ideia de encontrar riquezas milagrosamente – são as lendas do passado a voltar como avisos contemporâneos.</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-81113825459272631872017-01-26T01:30:00.001+00:002017-01-26T01:37:16.740+00:00Under The Sun (2015)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-7n8GlJy2PzA/WIlRBhrwUsI/AAAAAAAADgI/XL5AHW9jCtEB7LLTjqVmd1mtl3FIaIP7wCLcB/s1600/Under-The-Sun-Pic01-620x335.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Under The Sun (Debaixo do Sol, 2015)" border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-7n8GlJy2PzA/WIlRBhrwUsI/AAAAAAAADgI/XL5AHW9jCtEB7LLTjqVmd1mtl3FIaIP7wCLcB/s1600/Under-The-Sun-Pic01-620x335.jpg" title="Under The Sun (Debaixo do Sol, 2015)" /></a></div>
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Under The Sun (Debaixo do Sol, 2015) de Vitaly Mansky, 9/10<br />
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texto retirado da cobertura ao Porto/Post/Doc 2016 publicado <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/12/portopostdoc-2016-um-tempo-que-perdura-e-outro-que-desaparece/">aqui</a><br />
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<b>В лучах Солнца – Under The Sun</b> (Debaixo do Sol, 2015) de Vitaly Mansky é outro exemplo do legado de <b>The Act of Killing</b>, e aqui a recriação é permanente e dirigida pelo regime, um estratagema preferido de Estados pouco transparentes. Mansky informa logo no início com uma pequena nota que foi sempre acompanhado pelas autoridades norte-coreanas durante a sua estadia, e que desde o argumento, aos locais e até às pessoas filmadas, tudo foi imposto ao realizador – a única coisa fora do controlo é mesmo a câmara. E Mansky começa por desconstruir a realidade aparente quando mostra o que acontece entre os supostos planos, nas margens dos limites permitidos, ao revelar os diferentes takes da mesma cena e as indicações das figuras do regime às pessoas transformadas em actores (“age naturalmente, como se não estivesses num filme” ouvimos fora de campo). Uma idílica cena de um jantar abundante em família é orquestrada ao pormenor para enaltecer as virtudes da sociedade norte-coreana, mas é logo desmontada em “directo” pelo filme, com a criança a ser obrigada a repetir a mesma frase ou enaltecer a qualidade da comida.</div>
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Porém Mansky tenta também ultrapassar as barreiras que lhe são impostas ao filmar os rostos das pessoas, ao deter-se assim em pormenores que poderiam passar despercebidos não fosse o seu olhar atento: a expressão vazia das crianças na escola, o medo perante a autoridade da professora, as mãos juntas que procuram aquecer-se contra o frio na sala de aula. Nesta tentativa de aproximação Mansky parece perceber que há uma impossibilidade de chegar às pessoas que filma, impenetráveis no seu isolamento, tão distantes do mundo que conhecemos, soterradas por um terror psicológico. O filme acompanha de perto uma família representativa da sociedade norte-coreana, e a violência do alcance do regime e o medo de falhar são mais visíveis na pressão suportada pela filha do casal. Escolhida para representar a escola em mais uma celebração do seu líder, Manksy ultrapassa finalmente o problema da anestesia emocional das personagens e o manto de ocultação mantido pelo regime com o acompanhamento desolador dos nervos da criança numa cena dolorosa. Instada a distrair-se com uma memória boa para afastar os nervos, não consegue lembrar-se de nenhuma, e quando lhe pedem para cantar uma canção alegre, apenas consegue lembrar-se de uma ode a Kim Jong-un. Under the Sun é assim um brilhante exercício de desconstrução de um sistema de controlo, encoberto e subtil no seu método, e por isso ainda mais devastador.</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-17826708151245200642017-01-26T01:27:00.004+00:002017-01-26T01:37:23.176+00:00Ama-San (2016)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-_DwC2mn66OY/WIlQfAA1o7I/AAAAAAAADgE/5odOjF2gNosIcXiu5ZFZlRRRy64134lBgCLcB/s1600/Ama-San-Pic02-620x334.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Ama-San (2016) de Cláudia Varejão" border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-_DwC2mn66OY/WIlQfAA1o7I/AAAAAAAADgE/5odOjF2gNosIcXiu5ZFZlRRRy64134lBgCLcB/s1600/Ama-San-Pic02-620x334.jpeg" title="Ama-San (2016) de Cláudia Varejão" /></a></div>
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Ama-San (2016) de Cláudia Varejão, 7/10<br />
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texto retirado da cobertura ao Porto/Post/Doc 2016 publicado <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/12/portopostdoc-2016-um-tempo-que-perdura-e-outro-que-desaparece/">aqui</a><br />
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Existem diversas formas de mostrar coragem, e uma tradição pode ainda ser uma forma de perturbar o status quo. <b>Ama-San</b> (2016) de Cláudia Varejão é um primoroso retrato de uma tradição milenar no Japão. Depois de Salomé Lamas no Peru, temos aqui outra realizadora portuguesa a viajar para o outro lado do mundo para resgatar do desconhecimento e eternizar uma comunidade singular. Sem contexto, vamos às escuras e assim o encanto perdura mais tempo, e cada gesto ganha maior importância pelo significado que procuramos nas imagens. O filme acompanha um grupo de mulheres do mar (as ama-san) numa península de pequenas vilas piscatórias, que se dedicam a uma forma de pesca através do mergulho em apneia, uma prática perpetuada há vários séculos, e que ainda é próxima da sua forma original. O respeito pela forma tradicional desta pesca, desde o lenço em que envolvem a cabeça como protecção, até à recusa em usar oxigénio, apenas reforça a dificuldade da tarefa a que estas mergulhadoras se dedicam de forma rotineira, porque para elas sempre foi assim, como é enaltecido pelas belíssimas imagens debaixo de água onde as amas se movimentam livremente.</div>
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Ao mesmo tempo estas mergulhadoras encarnam um papel de afirmação feminista pela sua bravura e inversão do seu papel tradicional numa sociedade muito conservadora, algo que surge naturalmente – os homens muito raramente aparecem no filme. A forma como Varejão acompanha o processo de trabalho das ama-san reafirma a naturalidade com que tudo se desenrola, mesmo que para o espectador longínquo seja exótico. Parte do mérito do filme provém da proximidade com que Varejão filma as amas, para o qual também contribuem os momentos em casa, reveladores que também nesse cenário estas mulheres não são menos incansáveis. Com a passagem do tempo, passamos também a encarar com naturalidade este modo de encarar a vida, e o filme transforma o excepcional em natural, porque assim o deve ser.</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-80473078269366149562017-01-26T01:23:00.000+00:002017-01-26T01:37:29.849+00:00Bangkok Nites (2016)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-gIJFeoRQnN4/WIlPIE0SjMI/AAAAAAAADf0/1ByevXYpVnAxvQqqNS3txTtvO3eUKydLQCLcB/s1600/Bangkok-Nites-Pic01-620x465.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Bangkok Nites (Noites de Bangkok, 2016) de Katsuya Tomita" border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-gIJFeoRQnN4/WIlPIE0SjMI/AAAAAAAADf0/1ByevXYpVnAxvQqqNS3txTtvO3eUKydLQCLcB/s1600/Bangkok-Nites-Pic01-620x465.jpg" title="Bangkok Nites (Noites de Bangkok, 2016) de Katsuya Tomita" /></a></div>
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texto retirado da cobertura ao Porto/Post/Doc 2016 publicado <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/12/portopostdoc-2016-um-tempo-que-perdura-e-outro-que-desaparece/">aqui</a><br />
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Bangkok Nites (Noites de Bangkok, 2016) de Katsuya Tomita - 7/10<br />
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<b>Bangkok Nites</b> (Noites de Bangkok, 2016) de Katsuya Tomita é um objecto complexo e fascinante, que utiliza o disfarce de filme documental para contar uma história de interligações entre personagens num universo de alienação. Os primeiros momentos do filme indicam estarmos perante uma abordagem documental em relação ao ambiente nocturno da cidade tailandesa e de um bordel em particular, com a câmara a seguir implacavelmente as personagens deste mundo. Porém, à medida que a trama narrativa avança, fica claro que estamos no domínio da ficção encenada, por muito que inspirado numa estética naturalista. Se a duração longa podia jogar contra o filme, aqui revela-se um dos seus trunfos, ao aumentar a imersão nesta compartimentação de uma realidade de assimilação lenta. Uma exposição reveladora do ambiente à volta do tal bordel resulta num desfile de personagens exóticas: de um lado as raparigas, na sua maior parte originárias das aldeias à volta de Bangkok, que são apresentadas numa espécie de tableau à disposição dos clientes; do outro lado os clientes, na sua maioria japoneses embriagados, que servem-se deste triste mercado. Mas o filme parece pouco interessado numa simples representação crua e já várias vezes repetida desta paisagem sórdida, e mais interessado numa aproximação às feridas emocionais que estas vidas de abandono acarretam.</div>
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<b>Bangkok Nites</b> detém-se no encontro por acaso entre duas personagens, que outrora partilharam um passado em comum importante, e agora situam-se em estados de espírito opostos: ela, Luck, a “<i>number one girl</i>”, na sua fase mais materialista, no seu apartamento tão luxuoso como solitário, presa à vida nocturna porque não conhece outra; ele, Ozawa, um dos primeiros clientes de Luck, um antigo soldado japonês exilado na Tailândia, num estado frugal, que por circunstâncias da vida é obrigado a sobreviver com pequenos trabalhos. Os dois passam uma noite juntos a conversar sobre tempos antigos, mesmo que agora Ozawa não tenha dinheiro para pagar o preço da companhia. Quando o filme acompanha o par numa viagem ao interior do país, e abandona as pretensões de diário da noite tailandesa e a miríade de personagens secundárias, ou seja, quando a ficção sobrepõe-se à realidade, o filme revela um olhar distinto sobre este casal desamorado. A herança do colonialismo no interior do país, as raparigas locais que sonham fugir para um destino igual ao de Luck, o confronto com um passado abandonado, ajudam a criar um ambiente misterioso e tenso, onde o tempo parece suspenso (não será acaso o agradecimento a Apichatpong Weerasethakul nos créditos), pelo menos até uma espantosa sequência (um flashback?) numa praia, que redefine o filme até aí.</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-2775581351279322292017-01-26T01:19:00.002+00:002017-01-26T01:19:29.607+00:00Raging Bull (1980)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-NvWJct5y6Yc/WIlOlOg3l_I/AAAAAAAADfs/xPJNQMqTazcJ44OmFz3zf1Nr6C8kofWowCLcB/s1600/raging-bull-04-620x337.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Raging Bull (1980)" border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-NvWJct5y6Yc/WIlOlOg3l_I/AAAAAAAADfs/xPJNQMqTazcJ44OmFz3zf1Nr6C8kofWowCLcB/s1600/raging-bull-04-620x337.jpg" title="Raging Bull (1980)" /></a></div>
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o meu texto sobre Raging Bull (1980) de Martin Scorsese pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/10/raging-bull-1980-de-martin-scorsese/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-53053798973042304652017-01-26T01:17:00.002+00:002017-01-26T01:17:44.764+00:00Five Easy Pieces (1970) <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-AvyklqoBeE8/WIlN5hZnZgI/AAAAAAAADfk/u-7hmfj9hIgExnOFMx9vvFmy8S4__wD-QCPcB/s1600/five-easy-pieces-620x334.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Five Easy Pieces (1970) " border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-AvyklqoBeE8/WIlN5hZnZgI/AAAAAAAADfk/u-7hmfj9hIgExnOFMx9vvFmy8S4__wD-QCPcB/s1600/five-easy-pieces-620x334.jpg" title="Five Easy Pieces (1970) " /></a></div>
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o meu texto sobre Five Easy Pieces (1970) de Bob Rafelson pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/09/five-easy-pieces-1970-de-bob-rafelson/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-66557658960348144682016-08-25T15:14:00.001+01:002016-08-25T15:15:00.076+01:00cobertura Curtas 2016<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-2mAeUr0Wou0/V779Nms2q4I/AAAAAAAADO8/vdvTiQPcJpoHWA8cD4fZNtw6JCerQuXPQCLcB/s1600/CI_limbo_1-620x260.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Limbo (2016) de Konstantina Kotzamani" border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-2mAeUr0Wou0/V779Nms2q4I/AAAAAAAADO8/vdvTiQPcJpoHWA8cD4fZNtw6JCerQuXPQCLcB/s1600/CI_limbo_1-620x260.jpg" title="Limbo (2016) de Konstantina Kotzamani" /></a></div>
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os meus textos de cobertura ao festival Curtas 2016 podem ser lidos aqui:<br />
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- parte um: <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/07/curtas-vila-do-conde-2016-antevisao/">antevisão</a><br />
- parte dois: <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/07/curtas-vila-do-conde-2016-a-procura-de-encantamento/">à procura de encantamento</a><br />
- parte três: <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/07/curtas-vila-do-conde-2016-palmares-certezas-e-incertezas/">palmarés, certezas e incertezas</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-67779090166085331252016-08-25T15:11:00.000+01:002016-08-25T15:11:02.012+01:00Ace in the Hole (1951)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-7nK8Pz-F8Z0/V778TsQqbyI/AAAAAAAADO4/mjwPCv11kCQUNDHzvWysqtVhiqx4uJ4EwCLcB/s1600/71i3GVXW4pL._SL1024_-620x465.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Ace in the Hole (1951) de Billy Wilder" border="0" height="480" src="https://2.bp.blogspot.com/-7nK8Pz-F8Z0/V778TsQqbyI/AAAAAAAADO4/mjwPCv11kCQUNDHzvWysqtVhiqx4uJ4EwCLcB/s640/71i3GVXW4pL._SL1024_-620x465.jpg" title="Ace in the Hole (1951) de Billy Wilder" width="640" /></a></div>
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o meu texto sobre Ace in the Hole (1951) de Billy Wilder pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/05/ace-in-the-hole-1951-de-billy-wilder/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-21474314018328014582016-03-23T17:45:00.001+00:002016-03-23T17:45:12.937+00:00Beixi Moshuo (Behemoth, 2015)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-QM6hOT-dPVI/VvLWDjg6wOI/AAAAAAAAC4M/H6U6lirmWZ8kO2VhajwExMeRlQQpXG3_A/s1600/behemoth3-1600x900-c-default.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Beixi Moshuo (Behemoth, 2015)" border="0" height="360" src="https://2.bp.blogspot.com/-QM6hOT-dPVI/VvLWDjg6wOI/AAAAAAAAC4M/H6U6lirmWZ8kO2VhajwExMeRlQQpXG3_A/s640/behemoth3-1600x900-c-default.jpg" title="Beixi Moshuo (Behemoth, 2015)" width="640" /></a></div>
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<b>Beixi Moshuo</b> (Behemoth, 2015), de Zhao Liang, China 8/10<br />
visto no Porto/Post/Doc - texto original <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/12/portopostdoc-este-real-parece-ficcao/">aqui</a><br />
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Behemoth é o nome de uma criatura mitológica que se alimentava de montanhas e não é por acaso que <b>Beixi Moshuo</b> (Behemoth, 2015), de Zhao Liang, exibido na competição, começa com uma série de explosões numa mina, avisando que neste filme o homem substitui-se ao monstro destruidor. Numa adaptação livre do texto da Divina Comédia de Dante, a terra transformada pela intervenção do homem surge como a imagem de um inferno desolado, numa sucessão de imagens de uma beleza natural aterradora, como uma imagem rasgada a meio pela divisão entre as pastagens verde e o negro do carvão minado. O filme intercala imagens alternadas da realidade, onde um corpo nu deitado no chão rodeado de espelhos serve de ilustração para uma voz-off que entoa frases poéticas, com imagens documentais que mais parecem uma realidade alternativa. Confrontados com os confins negros das minas de carvão, substituto do purgatório, e dos trabalhos infernais numa metalurgia, parece que estamos a ver um filme de ficção científica, como se estivéssemos a observar um planeta estranho e irreconhecível, no meio de uma escala difícil de compreender para o olhar humano.</div>
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Perante este panorama desolador, o filme atribui um lado humano à sua composição, que sobressai pela sua mensagem, quer pelos rostos dos mineiros cobertos de negrume, que todos os dias inutilmente tentam lavar da sua cara e dos seus corpos, quer pelas histórias humanas que começam a aparecer, este é o mito de Sísifo moderno. Quando Zhao Liang filma uma cidade fantasma de prédios novos nunca ocupados, perante os rostos e as mãos destruídas dos trabalhadores sacrificados, as consequências desta aniquilação ambiental são assombrosas, como um murro. Apesar de toda a sujidade e negritude que as imagens finais evocam, como os frascos de líquido negro retirados dos pulmões de trabalhadores doentes, estas não podiam ser mais claras: este caminho é o da asfixia.</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-77412503180493224132016-03-23T17:42:00.002+00:002016-03-23T17:42:26.183+00:00In Jackson Heights (2015)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Lko6afZq4y0/VvLVcG5rADI/AAAAAAAAC4I/sC-DgCjb2OMQCCfQz1FHWRJDf0x0Du3CA/s1600/Brody-Wisemans-In-Jackson-Heights-1200.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="In Jackson Heights (Em Jackson Heights, 2015) de Frederick Wiseman" border="0" height="332" src="https://3.bp.blogspot.com/-Lko6afZq4y0/VvLVcG5rADI/AAAAAAAAC4I/sC-DgCjb2OMQCCfQz1FHWRJDf0x0Du3CA/s640/Brody-Wisemans-In-Jackson-Heights-1200.jpg" title="In Jackson Heights (Em Jackson Heights, 2015) de Frederick Wiseman" width="640" /></a></div>
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In Jackson Heights (Em Jackson Heights, 2015) de Frederick Wiseman, EUA, 9/10<br />
<i>visto no Porto/Post/Doc - texto original <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/12/portopostdoc-este-real-parece-ficcao/">aqui</a></i><br />
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Com <b>In Jackson Heights</b> (Em Jackson Heights, 2015), Frederick Wiseman, cuja carreira se aproxima dos 50 anos, continua o seu mapeamento exaustivo da sociedade americana, detendo-se, desta vez, sobre um bairro profundamente multicultural em Nova Iorque. Na sua procura contínua de histórias, encontra uma comunidade vibrante mas também um bairro que atravessa uma crise de identidade. Por um lado, a ameaça económica da gentrificação, simbólica de uma uniformização ao estilo de vida americano, empurra aos poucos os habitantes e os pequenos negócios para fora do bairro, dando lugar a rendas mais altas e multinacionais. Por outro lado, a população não deixa de celebrar a sua diversidade e origens, como forma de afirmação cultural e de subsistência, ao mesmo tempo que procura integrar-se na sociedade americana. Wiseman ocupa o filme com diferentes episódios, que ora ilustram a enorme diversidade étnica presente no bairro, ora retratam as tentativas de manter uma identidade própria debaixo da ameaça de mudança.</div>
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É nesta resistência ao abandono da cultura que dá identidade ao bairro, e na sua vontade paralela de abraçar o estilo de vida americano, que Wiseman encontra a sua história. No fundo, Wiseman procura afirmar que a resistência, este lutar pelos interesses próprios, é tipicamente americana e o tecido da sociedade americana. É um regresso de Wiseman a temas anteriormente explorados nos seus melhores filmes, onde contrasta a conduta exigida pela sociedade com a rebeldia a essa formatação. Esta é uma questão já presente no seu segundo filme, <b>High School</b> (1968), agora apresentada noutra escala. É quando Wiseman filma as diferentes formas de resistência política, presente nos vários encontros de grupos de activistas, que este parece fornecer uma resposta para a crise que encontra. Apesar da duração excessiva (e de algumas imagens mais impressionáveis) é uma aventura recompensadora.</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-7075406623228934382016-03-23T17:39:00.001+00:002016-03-23T17:39:40.436+00:00The Wolfpack (2015)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-bjJpF-1MbKc/VvLUsFMsLxI/AAAAAAAAC4A/n01Fp99ooI4O_sJ3pWq8oJFzn2SC_LaCw/s1600/12WOLFPACKJP-superJumbo-v2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="The Wolfpack (A Matilha, 2015) de Crystal Moselle" border="0" height="360" src="https://2.bp.blogspot.com/-bjJpF-1MbKc/VvLUsFMsLxI/AAAAAAAAC4A/n01Fp99ooI4O_sJ3pWq8oJFzn2SC_LaCw/s640/12WOLFPACKJP-superJumbo-v2.jpg" title="The Wolfpack (A Matilha, 2015) de Crystal Moselle" width="640" /></a></div>
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The Wolfpack (A Matilha, 2015) de Crystal Moselle, EUA 7/10<br />
<i>visto no Porto/Post/Doc - texto original <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/12/portopostdoc-este-real-parece-ficcao/">aqui</a></i><br />
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A grande descoberta dos primeiros dias do festival foi The Wolfpack (A Matilha, 2015) de Crystal Moselle, exibido na sessão de abertura fora de competição. Um documentário sobre um grupo de seis irmãos que chega à adolescência sem quase nunca ter saído do apartamento em Manhattan onde vivem, e cujo único acesso ao mundo exterior é através dos filmes que vêem e que passam os dias a recriar apaixonadamente. Este documentário mostra uma das mais bizarras e fascinantes histórias dos últimos tempos, e um olhar inesperado sobre a cinefilia. Uma história surpreendente a todos níveis, para a qual muito ajuda a abordagem de Crystal Moselle, que não dá qualquer contexto à acção, excepto as próprias palavras dos diferentes irmãos.<br />
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Filhos de um pai religioso que os fechava à chave em casa, em vez de irem à escola eram ensinados pela sua mãe, e o único ponto de contacto com o mundo fora do apartamento é uma extensa colecção de filmes, através da qual constroem a sua própria mitologia de como funciona o mundo lá fora: a família é importante por causa do The Godfather (O Padrinho, 1972), a história americana é aprendida a partir de JFK (1991), etc, ou seja, todos os filmes eram para eles como documentários. É o cinema como meio de educação e ensinamento moral, como encarregado de educação. Se o cinema sempre foi uma forma de escape, torna-se aqui também como um meio de expressão, de sobrevivência perante a sua realidade mais próxima. A forma como Crystal Moselle analisa as relações familiares evoca o espanto de Grey Gardens (1975) ou Capturing the Friedmans (2003), mas o que fica desta história extraordinária é a esperança nestes irmãos na sua redenção.Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-20265166279692345792016-03-23T14:53:00.000+00:002016-03-23T14:53:47.409+00:00Stories We Tell (2012)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-6zMs5_TV1cU/VvKtywPnQvI/AAAAAAAAC3s/5OohklH9k4ohshJObYPqGsR3hg01mb9vw/s1600/Stories-we-tell-1-620x465.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Stories We Tell (2012)" border="0" height="300" src="https://3.bp.blogspot.com/-6zMs5_TV1cU/VvKtywPnQvI/AAAAAAAAC3s/5OohklH9k4ohshJObYPqGsR3hg01mb9vw/s400/Stories-we-tell-1-620x465.jpg" title="Stories We Tell (2012)" width="400" /></a></div>
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o meu texto sobre Stories We Tell (2012) de Sarah Polley pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/03/stories-we-tell-2012-de-sarah-polley/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-22909640591134768072016-03-23T14:51:00.002+00:002016-03-23T14:53:59.983+00:00Talaye Sorkh (Crimsom Gold, 2003)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-XW5L2TFT7yU/VvKtcMQmKoI/AAAAAAAAC3o/lqh0TY8H3IcuSwWZ6SCmqgjcBJjqeKFMw/s1600/crimsom_gold-620x465.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Talaye sorkh (Sangue e Ouro, 2003)" border="0" height="300" src="https://4.bp.blogspot.com/-XW5L2TFT7yU/VvKtcMQmKoI/AAAAAAAAC3o/lqh0TY8H3IcuSwWZ6SCmqgjcBJjqeKFMw/s400/crimsom_gold-620x465.jpg" title="Talaye sorkh (Sangue e Ouro, 2003)" width="400" /></a></div>
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o meu texto sobre Talaye sorkh (Sangue e Ouro, 2003) de Jafar Panahi pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/02/talaye-sorkh-2003-de-jafar-panahi/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-42047393452868828282016-02-25T01:28:00.001+00:002016-02-25T01:28:16.048+00:00Stagecoach (1939) de John Ford<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-YaeViyWg-NY/Vs5Yo-vRxDI/AAAAAAAAC2o/CpMjD5r3tlA/s1600/stagecoach.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Stagecoach (1939) de John Ford" border="0" height="464" src="https://1.bp.blogspot.com/-YaeViyWg-NY/Vs5Yo-vRxDI/AAAAAAAAC2o/CpMjD5r3tlA/s640/stagecoach.jpg" title="Stagecoach (1939) de John Ford" width="640" /></a></div>
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o meu texto sobre Stagecoach (1939) de John Ford pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2016/01/stagecoach-1939-de-john-ford/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-11632643131773161792016-02-25T01:27:00.000+00:002016-02-25T01:27:01.457+00:00Strangers on a Train (1951)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-ZHzMzs_iap4/Vs5YUfehKSI/AAAAAAAAC2k/wYtxg2YTlQI/s1600/nieznajomi-z-pociagu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Strangers on a Train (1951) de Alfred Hitchcock" border="0" height="456" src="https://4.bp.blogspot.com/-ZHzMzs_iap4/Vs5YUfehKSI/AAAAAAAAC2k/wYtxg2YTlQI/s640/nieznajomi-z-pociagu.jpg" title="Strangers on a Train (1951) de Alfred Hitchcock" width="640" /></a></div>
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o meu texto sobre Strangers on a Train (1951) de Alfred Hitchcock pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/09/strangers-on-a-train-1951-de-alfred-hitchcock/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-29108163654887040722016-02-25T01:25:00.001+00:002016-02-25T01:25:26.080+00:00Written on the Wind (1956)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-KdoTx67ih5s/Vs5X96aGykI/AAAAAAAAC2c/HPUGpJyVbVQ/s1600/dorothy-malone-written-on-the-wind-escrito-en-el-viento-1956-7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Written on the Wind (1956) de Douglas Sirk" border="0" height="360" src="https://4.bp.blogspot.com/-KdoTx67ih5s/Vs5X96aGykI/AAAAAAAAC2c/HPUGpJyVbVQ/s640/dorothy-malone-written-on-the-wind-escrito-en-el-viento-1956-7.jpg" title="Written on the Wind (1956) de Douglas Sirk" width="640" /></a></div>
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o meu texto sobre Written on the Wind (1956) de Douglas Sirk pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/10/written-on-the-wind-1956-de-douglas-sirk/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-10733209206253382012016-02-25T01:23:00.004+00:002016-02-25T01:23:59.112+00:00Paths of Glory (1957) <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/--7iPj5VYBE8/Vs5Xlg9bhPI/AAAAAAAAC2Y/q0t_3p7vPt8/s1600/Paths-of-Glory-1957-de-Stanley-Kubrick.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Paths of Glory (1957) de Stanley Kubrick" border="0" height="480" src="https://4.bp.blogspot.com/--7iPj5VYBE8/Vs5Xlg9bhPI/AAAAAAAAC2Y/q0t_3p7vPt8/s640/Paths-of-Glory-1957-de-Stanley-Kubrick.jpg" title="Paths of Glory (1957) de Stanley Kubrick" width="640" /></a></div>
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o meu texto sobre Paths of Glory (1957) de Stanley Kubrick pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/06/paths-of-glory-1957-de-stanley-kubrick/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-84331731437762167992016-01-15T12:58:00.000+00:002020-01-15T12:58:57.930+00:00Junkie Awards: top 2015<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-K2xAWrcbZwc/Xh8J4vOSiHI/AAAAAAAAEco/YG38X9nhadw2whDnO9INYBxspyiRtu5WACLcBGAsYHQ/s1600/TehranTaxi2-620x349.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="349" data-original-width="620" src="https://1.bp.blogspot.com/-K2xAWrcbZwc/Xh8J4vOSiHI/AAAAAAAAEco/YG38X9nhadw2whDnO9INYBxspyiRtu5WACLcBGAsYHQ/s1600/TehranTaxi2-620x349.jpg" /></a></div>
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Para a 18ª edição dos Junkie Awards, este foi o meu top10 escolhido para o À Pala deWalsh.<br />
o top conjunto pode ser lido <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/12/os-melhores-filmes-de-2015/">aqui</a><br />
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<ol style="background-color: #f9f9f9; color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px; list-style: none; margin: 0px 0px 20px; padding: 0px 0px 0px 45px;">
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Taxi</strong> de Jafar Panahi</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Kis uykusu</strong> de Nuri Bilge Ceylan</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">As Mil e Uma Noites </strong>de Miguel Gomes</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Concerning Violence</strong> (A Respeito da Violência, 2014) de Göran Olsson</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Turist</strong> de Ruben Östlund</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Mia madre</strong> de Nanni Moretti</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Mad Max: Fury Road</strong> de George Miller</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Leviafan</strong> de Andrey Zvyagintsev</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">Montanha</strong> de João Salaviza</li>
<li style="list-style: decimal; margin: 0px 0px 12px; padding: 0px;"><strong style="margin: 0px; padding: 0px;">It Follows</strong> (Vai Seguir-te, 2014) de David Robert Mitchell</li>
</ol>
<div>
<span style="color: #555555; font-family: Droid Sans, sans-serif;"><span style="font-size: 15px;">menção honrosa: </span></span><span style="color: #555555; font-family: "Droid Sans", sans-serif; font-size: 15px;"><b>Le dernier des injustes</b> (O Último dos Injustos, 2013), <b>Mandariinid</b> (Tangerinas, 2013), <b>Ex Machina</b> (2015), <b>Band des Filles</b>, <b>Phoenix</b>, <b>Timbuktu</b> e <b>Sicario</b>.</span></div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-25228624871878370222015-06-16T16:26:00.000+01:002015-06-16T16:27:46.070+01:00Le Samouraï (1967)<div style="text-align: justify;">
Le Samouraï (O Ofício de Matar, 1967) de Jean-Pierre Melville</div>
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Um samurai perseguido é como um animal ferido: perigoso, sem nada a perder.</div>
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Estilo, estilo e mais estilo: este é o mote de <b>Le Samouraï</b> (O Ofício de Matar, 1967), de Jean-Pierre Melville. Porém, não é um exercício vazio, apenas interessado no seu aspecto, mas antes um cuidadoso e elaborado estudo da solidão de um criminoso encostado às cordas. Esta história de um samurai moderno é um filme sobre códigos de honra e comportamentos, que segue códigos de linguagem, que servem aqui para dar corpo a um <i>thriller</i> surpreendentemente minimalista e existencialista.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="305" mozallowfullscreen="" scrolling="no" src="http://streamable.com/e/2gca" webkitallowfullscreen="" width="560"></iframe>
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A primeira cena ajuda a perceber desde logo o plano de intenções de Melville. Num quarto frugal e estéril, vazio de acessórios e quase de vida, um homem está prostrado de costas numa cama a lançar fumo de um cigarro para o tecto, como se estivesse morto desde o início, enquanto passam os créditos e enquanto a chuva bate contra duas janelas, que mais do que apresentarem um portal para o mundo exterior, ofuscam tudo o que exista para além deste quarto-jaula. Numa composição a duas dimensões, que parece imitar um quadro ou uma tira de uma banda desenhada, a ausência de profundidade é substituída passados alguns segundos por um movimento vertigo da câmara, que sinaliza o princípio de uma viagem pelo estado psicológico do seu protagonista. No centro do filme está a personagem interpretada por Alan Delon, que empresta frieza e um olhar sem expressão a este criminoso introvertido, sempre de impecável gabardina e chapéu, cuja economia de palavras e gestos garantem que quando faz uso das mesmas, o faz com uma premeditação cuidada.</div>
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Este samurai é um assassino a contrato, que vive segundo um conjunto próprio de regras, uma adaptação do estilo de vida austero dos míticos guerreiros japoneses, dedicados acima de tudo à execução da sua missão, e que aqui é reflectido numa preparação cuidadosa a todos os níveis, num abandonar das coisas materiais, e especialmente no abandonar das coisas sentimentais, como se isso fosse o preço a pagar pela sua destreza. Esta personagem de nome de inspiração americana, Jef Costello, está envolta em mistério permanente, e Melville filma-o por entre ruas escuras e dias de chuva, em quartos e corredores mal iluminados, onde as sombras e o fumo parecem conter movimentos próprios. Tal é o compromisso com uma estética de inspiração noir e os seus tons sombrios e frios, que o filme, apesar de ser a cores, parece por vezes mais próximo de um filme a preto e branco – não surpreende que o próprio Melville tenha dito que “o meu sonho é fazer um filme a cores em preto e branco, onde só há um detalhe minúsculo que nos relembra que estamos realmente a ver um filme a cores”. Mas acima de tudo, Melville filma os gestos, o cuidado ritualístico e procedural (imitado mais tarde pela polícia) com que a personagem prepara o seu ataque, como as luvas brancas que calça antes de cada assassinato, e a forma como utiliza o silêncio como uma arma de forma a não ser detectado.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="305" mozallowfullscreen="" scrolling="no" src="http://streamable.com/e/2dv8" webkitallowfullscreen="" width="560"></iframe>
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O que faz um criminoso que escapa a um exaustivo interrogatório da polícia, depois de planear cuidadosamente não um mas dois alibis de forma a garantir que sairá incólume da investigação policial? Regressa ao local do crime, obviamente. Porque nesta primeira “acção” do filme, por todo o planeamento que Jef lhe dedica, há um imprevisto, um desvio que segue os parâmetros do filme <i>noir</i>: é o aparecimento da <i>femme-fatale</i>, neste caso na pior altura, depois de Jef ter morto o seu primeiro alvo. Ao sair do escritório da sua vítima encontra uma rapariga no corredor, e se esta num primeiro campo não o denúncia nem chama por ajuda, no contra-campo seguinte Jef não a elimina, apesar de ser testemunha do crime. Na perdição de Jef por ela começa a ficar claro a dupla leitura do filme, que segundo o próprio Melville pode ser visto como um retrato de solidão total, ou a visão de um homem a sofrer um colapso mental. Tal como em relação a uma outra mulher capaz de fazer tudo por Jef, que espera por ele à noite, este parece incapaz de quebrar a barreira do platónico, paralisado por essa hipótese, como se tivesse medo de magoar os dois. No quarto de Jef há um pequeno pássaro enclausurado numa jaula, que a certo começa a perder o norte, e a atirar-se contra as grades: não é o pássaro que é uma imagem de Jef, mas Jef que torna-se nesse pássaro, sem lugar para fugir.</div>
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Considerado como o realizador francês mais americano, não surpreende que um dos livros sobre Melville tenha como subtítulo “<i>An American In Paris</i>”. Rui Nogueira (um português emigrado desde muito novo em França, que teve a honra de entrevistar Melville, além de outros nomes como Hitchcock, Howard Hawks, Nicholas Ray, Orson Welles ou Raoul Walsh – vale a pena o desvio para ler esta <a href="http://www.c7nema.net/entrevista/item/31101-entrevista-a-rui-nogueira-um-cine-filho-portugues-em-karlovy-vary.html">entrevista</a>) no seu livro Melville on Melville, compara o francês a Hitchcock, afirmando que “Melville foi um grande realizador americano perdido na França”. Uma citação que aparece durante a primeira cena do filme ajuda a estabelecer a condição solitária da personagem: “Não há maior solidão que a do samurai, excepto talvez a do tigre na selva”, retirada do livro <i>Bushido</i>, o código de conduta para os Samurai, mesmo que Melville tenha admitido posteriormente ter inventado a frase. Esta “invenção” de Melville é indicativa, no sentido em que demonstra uma dimensão auto-consciente do seu cinema, auto-referenciadora dos elementos do cinema. Além da manipulação da profundidade de campo logo na cena inicial, por toda a conformidade com um esquema visual uniforme que vai construindo ao longo do filme, Melville deixa por vezes que o filme perca momentaneamente esse controlo. Quando Jef encontra-se com o homem que lhe encomendou o assassinato, Melville filma o embate como se tratasse de um <i>western </i>num cenário citadino, e assim que as armas aparecem, a câmara foge, como se fosse um comboio a passar ao longe. Noutra altura, quando um inimigo de Jef saca de uma arma este tira as mãos dos bolsos e vemos as luvas brancas calçadas mas sem nenhuma arma nas mãos: num rápido corte surge uma pistola na sua mão quase que por magia. Na entrevista a Rui Nogueira, Melville refere que as luvas brancas são “luvas de editor”: quando aparecem, uma personagem é eliminada.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="305" mozallowfullscreen="" scrolling="no" src="http://streamable.com/e/bhnn" webkitallowfullscreen="" width="560"></iframe>
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Se a citação do Bushido traz à memória o filme-homenagem de Jim Jarmusch, <b>Ghost Dog: The Way of the Samurai</b> (Ghost Dog - O Método do Samurai, 1999), cuja personagem principal é também um introvertido assassino que segue um código de conduta muito próprio, a comparação mais imediata é com o cinema de Bresson por mais improvável que pareça. É precisamente pela insistência em filmar os gestos das personagens como substituto de palavras e outras caracterizações que Melville se aproxima do <a href="http://www.apaladewalsh.com/2014/11/20/le-diable-probablement-1977-de-robert-bresson/">método de Bresson</a>: “Bresson foca a atenção nos gestos e movimentos dos modelos, nas acções dos seus corpos, que ganham assim proeminência sobre o resto – muitas vezes Bresson segue em plano aproximado os movimentos das mãos, os gestos que enunciam a acção e desta forma os sentimentos, ao invés da emotividade expressa nos seus rostos ou na entoação (…) a apatia ganha literalmente corpo, numa representação física”. É por esta dedicação aos gestos como forma de expressão que o final se torna memorável: se em <b>Le Samurai</b> os gestos ganham proeminência ao longo do filme, é no gesto final de Jef, em toda a sua significância, que Melville deixa um último disparo. </div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-49909260424758798362015-06-15T01:36:00.000+01:002015-06-17T01:36:41.569+01:00Yin shi nan nu (Comer Beber Homem Mulher, 1994)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-tcOdqdagfbg/VYDA2hDiF5I/AAAAAAAACd8/_wZbRIvvgkk/s1600/eat-drink-man-woman1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Yin shi nan nu (Comer Beber Homem Mulher, 1994)" border="0" height="424" src="http://3.bp.blogspot.com/-tcOdqdagfbg/VYDA2hDiF5I/AAAAAAAACd8/_wZbRIvvgkk/s640/eat-drink-man-woman1.jpg" title="Yin shi nan nu (Comer Beber Homem Mulher, 1994)" width="640" /></a></div>
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o texto sobre Yin shi nan nu (Comer Beber Homem Mulher, 1994) de Ang Lee pode ser lido no <a href="http://www.apaladewalsh.com/2015/05/29/yin-shi-nan-nu-1994-de-ang-lee/">ÀPaladeWalsh.com</a>Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-38888870.post-9399068888087259092015-05-27T11:24:00.002+01:002015-05-27T11:28:10.375+01:00Os Verdes Anos (1963)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-J9pGmWDBo4U/VWUVcE3dGtI/AAAAAAAACcE/BZsBzgjLhC0/s1600/921125.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Os Verdes Anos (1963) de Paulo Rocha" border="0" height="386" src="http://2.bp.blogspot.com/-J9pGmWDBo4U/VWUVcE3dGtI/AAAAAAAACcE/BZsBzgjLhC0/s640/921125.jpg" title="Os Verdes Anos (1963) de Paulo Rocha" width="640" /></a></div>
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Os Verdes Anos (1963) de Paulo Rocha</div>
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Vi ontem pela primeira vez o primeiro filme do Paulo Rocha, demasiado tarde, mas fui perdendo as poucas oportunidades em que o filme era exibido no Porto, e fui resistindo a ver o filme nas cópias de baixa qualidade que circulam pela net (vhs-rips, youtube) - desistia sempre passado alguns minutos, por medo de estar a perder a hipótese de ver o filme com as condições que merecia. Essas condições estão agora aí, com um magnifico restauro digital (se já viram o filme, vale a pena rever, porque acreditem que nunca viram e ouviram o filme desta forma) e ainda por cima, com a exibição em algumas salas de cinema (juntamente com o segundo filme, <b>Mudar de Vida</b>): seria trágico que não fossemos todos a correr para ver este monumento do cinema português numa tela grande, e é preciso aproveitar as escassas oportunidades em que filmes como este são respeitados, para prestar o nosso respeito.</div>
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No fim do filme, a primeira impressão é a vontade de rever e rever e obcecar com o filme até à exaustão (estes dois filmes estão finalmente editados em dvd há uma semana). <b>Os Verdes Anos</b>, cinquenta anos depois da sua estreia, é uma obra eminentemente actual e emotiva, do fundo do coração, representativa de um país (quer da década de 60, quer hoje), e de um cinema, cuja identidade muito deve a este filme. O filme é pontuado por um sentimento agridoce, que entre momentos de esperança e outros mais desoladores, revelam a delapidação da inocência do casal de personagens principais. Portugal foi, e ainda é, um país de migração para centros urbanos, de rapazes e raparigas das aldeias à procura de uma vida melhor, de um sonho - não será o sonho americano, mas também deveríamos ter o direito a sonhar. E se a emigração para outro país era muitas vezes a última alternativa naquela década, como parece ser para aquele casal, que não via maneira de as coisas mudarem à sua volta, presos à sua condição, é algo que vai repetindo-se, e repete-se nos dias de hoje. É esta a força de um filme como <b>Os Verdes Anos</b>, a força de embatermos de frente com o nosso passado, de não o esquecermos, porque não o podemos esquecer.<br />
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[Mudar de Vida (1966) será exibido hoje no Rivoli pelo Porto/Post/Doc; amanhã será a vez de Se eu Fosse Ladrão, Roubava (2011). Os Verdes Anos e Mudar de Vida estão também em exibição em diferentes cinemas (e irão percorrer os cineclubes posteriormente)]</div>
Joao Araujohttp://www.blogger.com/profile/15030293173296651172noreply@blogger.com0